Bis auf wenige Ausnahmen altern Hitchcock-Filme einfach nicht. Leider geht das Gesamtwerk auch irgendwie im Rausch einzelner Titel unter. Allen voran Psycho, ein Film so unglaublicher Wucht, dass er jeden noch so ambitionierten Filmstudenten moralisch pulverisiert. Psycho ist die Mona Lisa des Films. Sicher kann man versuchen, nachzuahmen, aber auch nach 50 Jahren hat es kein Film geschafft, Psycho ernsthaft anzukratzen. Psycho ist so genial, so gut, dass man selbst aus kleinen Brocken des Films eigene erfolgreiche Nachahmer aufziehen kann.

Es ist schwierig, sich auf ein Element festzulegen, das mir als erstes in den Sinn kommt, wenn ich an Psycho denke. Das musikalische Thema ist sofort wieder im Ohr, Saul Bass legendäre Introsequenz bleibt minimalistisch perfekt, die Duschszene, der Genre-Wechsel mitten im Film, Anthony Perkins‘ letzte Mimik, Janet Leigh in Unterwäsche und natürlich eine so stimmige und elegante Schwarz-Weiß-Optik.

„It’s not like my mother is a maniac or a raving thing. She just goes a little mad sometimes. We all go a little mad sometimes. Haven’t you?“

Mein erster Kontakt mit Psycho? Es gibt da diese eine _„Alf“-Folge, in der die Nachbarin Babysitter spielt und dabei Psycho im Fernsehen schaut. Von da an war der Titel ein Begriff und irgendwann lief der Film dann im Nachtprogramm. Damals hat mir sicher der Zugang gefehlt, denn Psycho ist ein durch und durch erwachsener Film, der trotz seines Rufs eigentlich überhaupt nichts für junge Zuschauer bietet. Hier haben wir einen Film aus einer Zeit, als die Zielgruppe eben noch nicht aus 14- bis 24-Jährigen bestand. Diese Tatsache macht den Film aus meiner Sicht noch heute so wertvoll.

Die Handlung und die markanten Stellen im Film kennt heute sicherlich jeder. Abgesehen vom perfekten Handwerk, bin ich bis heute vom Genrewechsel des Films fasziniert. Die erste Hälfte ist eine Mischung aus Adventure und Slasher, wobei diese Genrebezeichnungen damals noch nicht existierten. Die zweite Hälfte dagegen baut auf neue Helden und wird fortan zum Thriller mit großen Teilen eines Dramas. Dieser Wechsel macht den Film so verdammt unterhaltsam. Zwar existieren heute viele Beispiele für einen solchen Genrewechsel, aber sie fallen nicht so subtil und so nahtlos aus wie in Psycho. Persönlich finde ich die erste Hälfte intensiver, besonders da die Heldin so abrupt und eindrucksvoll stirbt. Psycho spendete bis dahin sehr viel Sorgfalt und Zeit, um dem Zuschauer Figuren und Welt möglichst nahe zu bringen, um dann innerhalb einer schnellen und unerwarteten Szene diese Wohlfühlstimmung in eine komplett andere Richtung zu kippen. Hier haben wir einen Film, der heute unvorstellbar ist. Zu negativ wären die Reaktionen beim Test-Screening.

Am Ende zeigt besonders das Remake, wieso das Original so wundervoll bleibt. Praktisch 1:1 kopiert, schafft es das Remake zu keiner einzigen Sekunde, auch nur den Funken von Magie auf die Leinwand zu zaubern. Was mich zu dem Schluss bringt, dass Psycho mehr als alles andere von seinen Darstellern lebt, allen voran Anthony Perkins als Norman Bates. Perkins Leistung hier ist so eindrucksvoll, dass er am Ende für ewig diverse _Norman-Bates-Variationen spielen musste.

Die Frage nach dem Erbe des Films bleibt bis heute aktuell. Ohne Psycho wären viele 70er- und 80er-Horrorfilme Amerikas nicht vorstellbar. Psycho hat Horror sicherlich auch erstmals zu einem populären Franchise werden lassen und hat dem Genre das übernatürliche Element genommen. Keine Vampire, kein Frankenstein und keine außerirdischen Monster sind die Bedrohung, sondern der liebe unscheinbare Herr von nebenan. Heute sicherlich kalter Kaffee, vor 50 Jahren zweifellos ein Novum. Für mich bleibt Psycho primär visuell und strukturell perfekt.

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Zwanzig Jahre später und ein Film markiert noch immer den Zenit seines Genres. Terminator 2 war einer jener Filme, bei denen ich als viel zu junger Zuschauer still und heimlich durch den Seiteneingang reingeschleußt wurde. Wirklich verstanden habe ich damals allerdings wenig. Es war laut, bunt und lang. Mehr Anforderungen gab es an einen guten Film damals nicht. Die Effekte waren schon schick und bahnbrechend. Bemerkenswert genial war auch, einen der Helden der Zielgruppe perfekt anzupassen. Mit einem jungen John Connor, konnten wir uns gut identifizieren.

So richtig genießen konnte ich Terminator 2 erst später als VHS. Ich kann nur schätzen, wie oft in den Film mittlerweile komplett am Stück gesehen habe. Mit DVDs kam englischer Surround-Ton, der das Erlebnis Terminator noch einmal intensivierte. Heute schaue ich mir den Film mit anderen Augen an. Zwar hat sich mein Geschmack verändert, aber was das Genre Blockbuster-Action betrifft, so bleibt Terminator 2 auch noch heute mein Lieblingsfilm seiner Art. Perfekt für das was es ist. Wir erleben gerade wieder den Blockbuster Sommer und auch dieses Jahr sind viele erfolgreiche Monster-Produktionen am Start. Erfolgreich? Ja. Gut? Nein.

„Dyson listened while the Terminator laid it all down: Skynet, Judgment Day, the history of things to come. It’s not everyday you find out that you’re responsible for 3 billion deaths. He took it pretty well.“

Ich weiß nicht wieso und wann die Qualität solcher Produktionen verloren gegangen ist. Fakt ist, dass James Cameron in den späten 80ern und 90ern einen sagenhaften Lauf hatte. Alle Filme waren erfolgreich und sind noch immer gut. Viele stammen aus seiner Feder und entstanden in Zusammenarbeit mit einem festen Kern immer gleicher Mitarbeiter. Zugegeben war es vor Jurassic Park einfacher die Massen zu beeindrucken. Heute sind wir geblendet von Spezialeffekten, für wahre Überraschungen einfach blind geworden. Auch deshalb altert Terminator 2 ziemlich gut. Handwerk ist Handwerk. Nur mit gut gemachter Action, würde heute jedoch kein Mensch mehr über den Film schreiben. Es muss mehr dran sein.

Cameron scheint besonders mit diesem Franchise ein neue Art Kino kreiert zu haben: einen Hybriden aus Autoren- und Blockbuster-Kino. Auch Terminator 2 lebt und fällt mit dem Drehbuch. In dieser Beziehung ist der Film eines der besten Sequels aller Zeiten. Natürlich nimmt sich der Film viel Spielraum für seine Logik. Zeitreisen sind immer eine sichere Bank für mögliche Logikfehler. Terminator 2 ist aber mehr als nur die gleiche Formel des ersten Teils, ist mehr als nur Überbrückung zum nächsten Set-Piece, ist mehr als nur Lückenfüller für Effektorgien.

Der Film findet noch Beachtung, weil seine Helden so gut sind. Der Trick des Films ist natürlich Schwarzeneggers Rolle. Kern aller beiden Teile ist jedoch Sarah Connor. Ohne diese Figur ist die Serie am Ende. Was Linda Hamilton liefert, ist der Prototyp der 90er Heldin. Sie ist die einzige Figur, die eine echte Entwicklung im Film vollzieht. In meiner Lieblingsszene des Films wird Sarah selbst zur Maschine und zerbricht kurz vor dem größten Fehler ihres Lebens. Auch wenn es einfach aussieht, gemessen am Kanon des Franchise, ist der Moment einfach großartig umgesetzt. Sowas ist einfach noch tolles Kino, auch im Jahr 2011.

Came­ron ist ein Meis­ter der Waffen-Pornografie und in die­ser Hin­sicht ist Ter­mi­na­tor 2 sein gro­ßer Wurf. Die Waffe als Werk­zeug, wird nir­gends so absurd zele­briert wie hier. Ter­mi­na­tor 2 meis­tert aber auch Ver­fol­gungs­jag­den. Die Sequenz mit dem Heli­ko­pter sieht auch nach zwan­zig Jah­ren noch beeindruckend aus, weil eben ein ech­ter prak­ti­scher Effekt Grund­lage ist. Die CGI-Effekte dagegen…nun ja, hier sieht man dann doch das Alter des Films. Die Jud­ge­ment Day Sequenz kann sich noch sehen las­sen. Stan Winstons Makeup-FX haben ihre Zeit aber hinter sich. Einzig hier sind die Sequels T2 überlegen.

Viele Bilder sind dennoch einfach zu sekundenlangen Legenden geworden. Wenn Linda Hamilton am Ende einarmig nachlädt, dann pinkeln sich Generationen junger Möchtegern-Action-Regisseure vor Scham in die Hose. Die Balance aller Sequenzen ist einfach stimmig. Es gibt nicht die Action-Sequenz im Film. Vielmehr sind alle Szenen gleichwertig beeindruckend. In seiner Art ist Terminator 2 schon wieder so alt, dass er in Zeiten von Wackel-Schnitt-Semi-Doku-Optik, frisch wirkt. Camerons Action bleibt nachvollziehbar, ganz im Gegensatz zu modernen Action-Filmen. Ganz in der Tradition des Genres, muss der Zuschauer natürlich mehr als einmal den Verstand ausschalten. Das Finale ist einer der absurdesten Zufälle der Filmgeschichte, aber visuell so stimmig, dass man den Zweifel für kurze Zeit ausschaltet.

Meine Wahrnehmung in Bezug auf ältere Filme ist sicherlich nicht vollkommen ungetrübt. Zur Zeit eines Terminator war ein Film dieses medialen Ausmaßes eine seltene Erscheinung. Ein Blockbuster solchen Formats gibt es heute mehrmals pro Monat. Das mag für die Studios gut sein, ist aber schlecht für den Film. Ein Terminator 2 bleibt unvergessen. Es war einer der letzten großen Filme, die dem Hype stand gehalten haben. Selbst ein für damalige Verhältnisse gigantischer Mediensturm, konnte meine Erwartungen an den Film nicht überspitzen. Terminator 2 war und ist ein Meilenstein des Mediums, dessen damalige Wucht man vielleicht heute nicht mehr vollständig nachvollziehen kann, aber dessen Qualität zweifelsfrei unangefochten ist. Popcorn Mainstream-Action mit ganz viel Substanz und polierter Oberfläche.

„The unknown future rolls toward us. I face it for the first time with a sense of hope. Because if a machine, a Terminator can learn the value of human life maybe we can too.“

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Der klassische zweite Akt, wenn die Helden in eine ausweglose Situation geworfen werden. Empire ist der beste Teil der epischen Star Wars Saga und die Gründe sind leicht zu finden. Immer wenn George Lucas die Zügel aus der Hand gibt, stieg die Qualität. Bei Empire war er zu sehr mit dem Verkaufen von Spielzeugen beschäftigt und überließ fast alle Entscheidungen anderen. Ich glaube dieser Film sticht aus dem Franchise heraus, weil er die so weit weg von der Märchen-Formel ist. Es ist kompensierter zweiter Akt, den man in einem anderen Film auflöst. Heute starten neue Filme mit dem gleichen Konzept. Die Trilogie ist nicht umsonst so populär geworden.

Empire deutet an, wie gut Star Wars sein kann, wenn Lucas es für Dritte öffnet. Alle starken Elemente der Serie, werden in diesem Teil aufgebaut. Es ist schwierig es auf einzelnde Details zu beschränken. Der Twist ist sicherlich nicht mal das beste Detail. Han Solo bekommt in Empire seine echte Form verpasst und eine kleine Handpuppe schreibt Filmgeschichte, abseits des lustigen Puppentheaters für Kinder. Die besten Randfiguren der Serie, kommen in diesem Film ins Spiel, auch weil es eben keine Puppenschablonen für das Merchandise sind. Selbt die so nervigen Droiden kochen hier auf ganz kleiner Flamme und die beste Komik in Empire ist sowieso, wenn C3PO zerlegt ist.

Ich finde Empire ist auch der minimalistischste Teil, was bei einer Spezialeffekt-Orgie dieser Kategorie schon absurd klingen mag. Diesen Teil der Serie, habe ich vor allen anderen gesehen. Kleine Anekdote hierzu. Die Filme liefen irgendwann in den frühen 90ern bei Sat-1. Den ersten konnte ich nicht sehen, weil ich nicht zu Hause war. Hochmoderne VHS-Technologie existierte nicht, aber ein Kassettenrekorder. Star Wars lernte ich so als „Hörspiel“ kennen und lieben. Empire dagegen konnte ich in all seiner 60cm Röhren-TV-Pracht genießen. Erst Jahre später waren Filme mehr als nur die gelegentliche Abendunterhaltung. Die ruhigen Stellen im Film sind meine persönlichen Highlights. Wie Yoda inszeniert ist, die Zweifel Luke’s, die Ruhe vor dem Sturm in der Wolkenstadt, der völlig zerstörte Held am Ende. Selbst ohne seine grandiosen Actionsequenzen funktioniert Empire brillant.

„We have a new enemy, the young Rebel who destroyed the Death Star. I have no doubt this boy is the offspring of Anakin Skywalker.“

Ich würde mich nicht als absoluten Star Wars Fan bezeichnen. Ich mag die alte Trilogie für das was sie ist: hervorragendes Unterhaltungskino und technische Revolution. Empire ist mehr, es ist zur Schablone der heutigen Fortsetzung geworden und bleibt dennoch Beweis, dass auch die Sci-Fi-Klassiker, mit einem guten Drehbuch beginnen. Empire zeigt so gut, warum die späteren Teile so schlecht sind, nicht nur im Fankanon, sondern besonders als separater Film. Der Film ist Star Wars in seiner besten und nie wieder erreichten Form und zählt zweifellos zu den Klassikern des Genre-Kinos. Selbst wenn nach Jahren der Glanz abgegriffen sein mag, so ist Empire auch dreizig Jahre später die Messlatte für Sequels, Star Wars und Blockbuster-Kino.

Bildrechte bei Steve Argyle

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Eigentlich schafft es auch Jason und die Argonauten Film nur als Fußnote des Meister der Stop-Motion-Animation in die Geschichtsbücher. Ray Harryhausen ist ein Name, der bei Generationen von Film-Buffs feuchte Augen verusacht. An meinen ersten CGI-Effekt kann ich mich nicht erinnern, an den ersten Minotaur animiert von Ray Harryhausen schon. Diese Filme sind ganz klar das Transformers der damaligen Zeit. Pure Plattform für Trickeffekte, aber im Gegensatz zu heutigen Werken auch im Kern absolut solides pures Unterhaltungskino zur 90 minütigen Flucht in die Fantasie.

„The epic story that was destined to stand as a colossus of adventure!“

Die Geschichten sind immer ähnlich. Unsere Helden werden auf eine Reise geschickt, um den bösen Zauberer zu besiegen und die Prinzessin zu retten. Während ihres Abenteuers treffen sie dabei auf diverse Fantasy-Kreaturen. Am Ende ist das Böse besiegt und unser Held befindet sich in den Armen einer leicht bekleideten zuvor geretteten Schönen. Bekannt, vorhersehbar aber eben auch bewehrt. Bei Jason ist es nicht anders. Diese Filme wissen genau, dass die eigentlichen Stars doch die Trickeffekte sind. Auffällig bleibt aber immer, wie sorgfältig man die Effekte damals noch dosiert, sicherlich auch aus Kosten- und Zeitgründen.

Jason und die Argonauten ist für mich der beste Harryhausen. Alle Kreaturen sind pures Trickeffekt-Gold. Herausragend und noch heute beeindurckend anzusehen ist Harryhausen’s Magnus Opus: der Kampf der Skelletkriegern gegen die Argonauten. Jene Szenen umhüllt eine Magie, die einfach für mich nicht verschwinden will. Diese Effekte sind über 40 Jahre alt und besitzen mehr Seele als irgendein zusammengeklickter CGI-Effekt. Die Animationen sind handwerklich extrem sauber und unglaublich synchron zum echten gefilmten Bild. Man kann sich den Aufwand nur im Ansatz vorstellen und doch zahlt er sich aus, denn diese Bilder bleiben unvergessen. In diesem Effekt allein stecken vier Monate Arbeit.

Szenen wie diese waren und sind Köder, den alle großen heutigen Hollywood-Größen geschluckt haben und besonders auch ein Avatar ist nur der Enkel einer Harryhausen-Schöpfung, die in Jason und die Argonauten sicherlich ihren Zenit erklommen hat. Für mich waren diese Filme immer ein Subgenre des Sandalenfilms nur eben weniger für die Kritiker und mehr für ein junge gebliebenes Publikum.

Keine Frage alle diese Filme bedie­nen pri­mär das Kind in einem. Irgend­wie sind es bild­ge­wor­dene Spiel­zeug­fan­ta­sien und Ray Har­ry­hau­sen ist der Pup­pen­spie­ler. Zahl­rei­che Bil­der der Filme haben sich nicht nur bei mir in die Netz­haut gebrannt. In der sel­te­nen Situa­tion, dass ich mal einen ande­ren Harryhausen-Fan treffe, dann fin­det da sofort eine non-verbale Kom­mu­ni­ka­tion statt, die sich in einem brei­ten Grin­sen äußert, bei dem man die Bil­der aller sei­ner Krea­tu­ren noch ein­mal vor dem inne­ren Auge abspult.

Man kann strei­ten wie gut diese Filme altern, aber sie wer­den mit den Jah­ren für mich immer ein­zig­ar­ti­ger. Sie sind Bilddokument eines ausgestorbenen Handwerks, ohne dass die erfolgreichsten Filme heute einfach so nicht existieren würden. Auch Harryhausens Schöpfungen ist es zu verdanken, dass die Fantasie unzähliger Autoren überhaupt erst wachgekitzelt worden ist. Viele Geschichten wären uns verwehrt geblieben ohne die dreckigen Finger damaliger Trick-Spezialisten.

Bildreferenzen des Artikels: Filmposter von Forgotten Silver, Skelettkrieger von Zoloword und Talos von Scotch Corner.

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Das Schöne an E.T. ist: Ich muss nichts über den Film selbst schreiben. E. T. ist für mich der Film. Hiermit verbinde ich die ersten Erinnerungen an Kino überhaupt. Im Familienurlaub 1987 war ich gerade sechs Jahre alt und eines Nachmittags sollte es ins Kino gehen. Der Ort an sich war unvergesslich. Ein ehemaliges Lagerhaus aus Blech wurde zum Kino umfunktioniert. Es war unglaublich heiß und ich hatte noch nie zuvor einen Film im Kino gesehen. Zwei Stunden später war ich um eine Erfahrung reicher, die ich niemals vergessen werde. Film gab es zu diesem Zeitpunkt für mich nicht. Es war medial eine wirklich andere Zeit als heute. Unterhaltung mit bewegten Bildern war eine mir noch völlig unbekannte Erfahrung und plötzlich bekomme ich einen der wertvollsten und besten Filme präsentiert. Eine Überdosis Kino.

„And so it came as something of a shock to see him sobbing, tear-tracks on each side of his face, as he watches this little rubber suit die on screen. He was profoundly moved by this children’s film. And my dad, at that moment, ceased to be The Great Impenetrable in my life, and became a living, breathing person.“ #

Ich weiß noch, wie mich die Leinwand förmlich verschlungen hat und ich selbst Tage später noch von den ersten Eindrücken gezerrt habe. Ich bin aufgewachsen mit Eltern und Großeltern, die einem noch vorgelesen haben. Nicht gelegentlich, sondern sehr oft. Für Märchen war und bin ich sehr empfänglich. E.T. war damals das perfekte Märchen mit echten Bildern und ich weiß noch, dass ich anschließend nichts mehr wollte als ein BMX-Fahrrad. So viele Elemente im Film waren damals wie aus meinem Leben gegriffen, was den Film noch heute so besonders macht.

Als E.T. als Neuauflage noch einmal in die Kinos kam, saß ich wieder drin und wieder war die Magie da Der Film ist furchtbar gut gealtert, denn die starken Elemente im Film sind völlig zeitlos. E.T. ist ein Film, der alle fünf Jahre in die Kinos kommen sollte, weil es Grundlage für guten Filmgeschmack ist – generationsübergreifend. Es ist egal, wie abgedroschen und überfrachtet man Spielbergs Symbolik finden mag. Niemand hat das Gefühl von Familie und Kindheit so eingefangen wie dieser Film. Selten hat man eine so glaubwürdige Filmfamilie gesehen.

E.T. schafft es immer noch, mich zu Tränen zu rühren. Es ist vielleicht der einzige Film, den dabei nichts aufhalten kann. Es sind weniger die typischen Szenen, die drauf abzielen, sondern mehr die kleinen Momente dazwischen. Wenn Elliot E.T. seine Spielzeuge zeigt und wir nur im Gegenlicht die Augen der Kreatur erkennen, dann ist das wirklich ganz großes Kino. Das wichtigste Element des Films ist wahrscheinlich seine Musik und hier liefert John Williams klar eine seiner besten Arbeiten ab. Auf der DVD gibt es einen kurzen Ausschnitt, als er Spielberg zum ersten Mal Themen des Films am Piano vorspielt. Wertvolleres kann man nicht filmen.

E.T. wird ewig eine Anomalie in der Filmwelt sein. Es ist jener völlig glückliche Unfall, der sich nicht reproduzieren lässt. Der Film ist auch wie bei mir für viele Millionen Menschen der erste Kontakt mit _Blockbuster-Kino und Generationen von Zuschauern altern mit dem Film mit. Allein der Titel zaubert oft ein Schmunzeln ins Gesicht und spätestens wenn das musikalische Thema des Films erscheint, ist man spontan wieder 20 Jahre jünger. Für mich wird er umso wertvoller, weil er als Produkt so antik ist und wir keine neuen Nachahmer oder gar Sequels sehen werden. In einer Zeit, in der die Kopie zum Geschäftsmodell geworden ist, ist dieser Film wirklich einzigartig – und das in jeder Beziehung.

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Vor knapp fünf Jahren erschien Half-Life 2. Ich habe lange überlegt, ob und wie ich dem Titel einen Eintrag widmen soll. Gründe gibt es genug, aber das Wie ist schon schwieriger. Ich kann kaum noch etwas Neues zum Thema hinzufügen. Der alternative Titel lautet übrigens Citizen Game als Anlehnung auf die Frage, wann das Medium Videospiel wohl sein Citizen Kane bekommt – es hat es schon längst.

Wo ansetzen? Vielleicht sollte ich erwähnen, dass ich den ersten Teil zu seiner Zeit damals gespielt habe. Die Serie hat bei mir also seine Spuren hinterlassen. Eigentlich konnte ich mir nicht vorstellen, wie man Teil 1 abseits des Mediumstandards toppen kann. Das erste mal, dass ich von diesem Titel wirklich gepackt werden konnte, war seine Demonstration auf der E3 2003. Seitdem hat mich nichts mehr wirklich beeindrucken können. Wer sich an die Bilder und Filme damals erinnert, wird die Eindrücke von damals schnell abrufen können. Während noch heute schön vorbereitete Trailer mit aufwendigen Cutscenes zur Vorstellung neuer Titel genutzt werden, zeigte man bei HL2 einfach nur echte Spielszenen, eine Fußmarke, die der Serie ewig Substanz verleihen soll.

„You are the Freeman“

HL2 ist meine Messlatte für interaktives Geschichtenerzählen. Mittlerweile erstreckt sich die Handlung über einen beachtlichen Umfang und zu keiner Sekunde nimmt man dabei dem Spieler das Steuer aus der Hand. Half-Life kennt keine CutsCene im eigentlichen Sinn. Die Kamera wechselt nie vom Auge des Spielers. Gordon Freeman ist der Spieler, ein winziges Detail, dass die Serie so unverwechselbar macht, in einer Zeit als das Genre im Sog der generischen Aufgüsse untergeht. Half-Life bleibt auch im zweiten Teil seiner Linie so verdammt treu, dass mir als Spieler erster Stunde warm ums Herz wird.

Das Spiel überspringt auch keine Geografie oder Zeit. Jeden Schritt der Handlung, muss man als Spieler tätigen. Es gibt kein Zurücklehnen und überproduzierte Filmchen genießen. Wer mehr erleben möchte muss die W-Taste drücken. Das macht diesen Teil so furchtbar altbacken aber eben auch einzigartig. Kombiniert man dieses Detail mit der Größe des Spiels ist Half-Life 2 ein wirkliches Abenteuer, eine Achterbahnfahrt ganz alter Schule. Was man im zweiten Teil alles sieht, unternimmt, rettet, beschützt und erobert würde den Umfang dieses Textes sprengen.

„We Don’t Go To Ravenholm…“

Die größte Errungenschaft von Half-Life 2 sind seine virtuellen Protagonisten, die dem Spieler zur Seite gestellt werden. Selbst heute, schafft es kaum einer dass Niveau einer Alyx Vance zu erreichen. Mimik, Gestik, Text, Stimme, Optik, alles ist stimmig. Spätestens am Ende der zweiten Episode, erntet Valve die Früchte jahrelanger Arbeit und darf sich mit der einzigen emotionalen Szene in einem Spiel brüsten, die bei mir funktioniert (ab Minute 5:20 im folgenden Video und größter Spoiler der Serie). Wichtige Zutat sind hier professionelle (englische) Sprecher, saubere Textzeilen und eine stimmige Optik. In diesene Charakteren steckt viel Arbeit, vor der man im Buch zum Spiel einen kleinen Eindruck bekommt.

Alyx Vance ist nur die Spitze des Eisbergs. Alle Charaktere in HL2 glänzen und hinterlassen einen bleibenden Eindruck. Father Grigori ist der einzige Grund das Ravenholm-Kapitel zu spielen. Mit Alyx‘ mechanischem Schoßhündchen Dog hat man klar den besten Sidekick-Roboter überhaupt geschaffen. Ich kenne nicht mal einen Film, der hier besseres Material liefert. Überhaupt weiß man die Figuren sehr gekonnt zu dosieren. Es gibt immer wieder Abschnitte, in denen man als Spieler allein ist, um sich dann umso mehr über den virtuellen Beistand zu freuen. Besonders in den letzten Episoden ist dies auffällig, wie gezielt hier der Rhythmus verändert wird. Spätestens wenn Dog in Episode 2 seine großen Auftritt hat, wird man nur breit grinsend vor HL2 sitzend.

erwachsene Inhalte und Optik

Prangt auf einem Spiel heute ein „ab 18“-Sticker, dann bedeutet dies in neun von zehn Beispielen völlig überzeichnete Gewaltdarstellungen, aufgesetzte Sprache mit vielen F-Wörtern und entblöste virtuelle D-Körbchen seiner Barbie-Darsteller. Das sind keine erwachsenen Inhalte, sondern das Bedienen von feuchten Träumen der pubertären Zielgruppe. Egal wie verkrampft man sich als erwachsener Inhalt etablieren möchte, die meisten versagen kläglich. Half-Life 2 war von Anfang an der realistischere Ableger des Marktes. Die Serie lizensierte zu Beginn eine Engine (Quake), die noch heute stilistischer Prototyp für das Genre ist. Valve wusste, wie wichtig es ist sich hier in jeder Form zu distanzieren. Dazu gehören realistische Charaktere in einem überzeugendem Setting. Mehr braucht es nicht. Jeder Aspekt des zweiten Teils wirkt so ungezwungen, wie schon beim Vorgänger.

Es gibt wenige Titel, der ihre Figuren in realistischeren Proportionen darstellen. Ich erinnere mich noch (und das muss jetzt mindestens sieben Jahre her sein) an ein Forum für digitale Kunst. Das war grad zu meiner Möchtegern-Spielentwickler-Phase. Dort zeigte man seine Arbeiten um wirklich gute Kritik zu bekommen. Dort zeigte auch der Kopf des Forums seine Arbeiten. Er sei Konzeptkünstler für ein kommendes Spiel. Alles was er dort zeigte sollte sich als Concept Art für HL2 herausstellen. In Zeiten einer völlig austauschbaren Optik bekannter Genrevertreter, kann sich HL2 abheben. Hier hat jemand eine wirklich frische und markante Optik geschaffen. Der Art Director für HL2 ist osteuropäischer Herkunft, was meines Wissens nach einmalig für ein westliches Studio ist und sich hier auszahlt.

das nicht perfekte Spiel

Ich glaube HL2’s Charme liegt auch darin, dass es viele Schwächen besitzt, welche die guten Seiten noch heller strahlen lassen. Es hat einen wirklich antiquierten Aufbau und schreckliche Jump’n’Run Passagen, aber eben auch die beste Waffe des Genres (wann konnte man schon mal riesige Käfer auf seine Gegner hetzen) und eine zweite Spielhälfte, die für die anfänglichen bester Ausgleich ist. HL2 macht es einem wirklich einfach es zu mögen, besonders auch in den folgenden Episoden. Dass Valve sich im Zeitplan völlig verstrickt hat, ist schade aber nachvollziehbar. Wir warten auf Episode 3 und warten und warten und warten…

Wie im ersten Teil fügt auch HL2 dem Genre viele neue Standards hinzu. Sowohl das Medium, als auch das Genre hat sich in den letzten fünf Jahren verändert. Half-Life als Konzept ist ein pures PC-Produkt, dass sich schon in den folgenden Episoden verändert hat und Teil 2 zu einem letzten Vertreter seiner Art macht. Half-Life 2 ist das letzte große erfolgreiche und pure PC-Single-Player FPS, das seine Gene längst weitervererbt hat und dann verstorben ist. Worin diese Serie noch immer brilliert ist sein Lego-Ansatz, immer neue Dinge aus den wenigen Zutaten des Genres zu basteln und damit einen Spannungsbogen für viele Stunden zu halten. Half-Life 2 wird auch in weiteren fünf Jahren noch großartige interaktive Unterhaltung sein.

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Vor einigen Tage habe ich mir die komplette Dröhnung Alien verpasst: alle vier Teile der Quadrilogy DVD-Box, und zusätzlich noch einmal jeden Teil mit dem Kommentar der Macher. Irgendwie war mir mal wieder danach. Jeden Film einzeln zu behandeln übersteigt derzeit mein Zeitpensum, aber irgendwas wollte ich im Blog dazu schreiben. Ich kenne keine andere Serie, die sich noch immer so gut behaupten kann, sowohl als Ganzes, als auch im einzelnen Teil der Serie.

Alien

Ich weiß nicht was es ist, aber der Film drückt bei mir noch immer alle Knöpfe. Alien ist Ridley Scott Optik in ihrer Blütezeit. Selbst nach Jahrzehnten sieht der Film noch gut aus und Scott schafft es seinen Trickeffekt im Gummianzug ziemlich lange zu verschleiern. In einem Kommentar heißt es, dass Alien der erste Sci-Fi-Genre Film ist, bei dem die Protagonisten Hawaii-Hemden statt Raumanzügen tragen. Solch kleine Details machen den Film realistischer.

Meine Lieblingsszenen sind wohl der Gang in das verlassene Schiff, dass den Notruf sendet. Das sieht alles noch immer so gut aus. Alien tropft Stil über Substanz aus jeder einzelnen Sekunde. Ellen Ripley ist auch ein purer Zufall. Das Skript definierte diesen Charakter völlig generisch. Dass es eine Frau wurde, war glück­li­ches Schick­sal und nicht nur Saat für diese Serie, sondern auch dutzende Nachahmer.

Aliens

Dieses Sequel realisiert einen Genrewechsel auf verdammt hohem Niveau. Die Darstellung der Marines ist zur Schablone für folgende Generationen geworden. Noch heute bedient sich jedes Videospiel und jeder Actionfilm dieser Vorlage. Verglichen mit heutigen Actionfilmen, baut Cameron hier tatsächlich ganz langsam ein Feuerwerk auf, um am Ende aus allen Rohren zu feuern. Er hat ein glückliches Händchen für seine Nebenfiguren. Wirklich niemand ist hier nicht unsymphatisch besetzt.

In einem Punkt versagt Aliens 2009 aber völlig. In keinem anderen Teil der Serie sind die Effekte so schlecht gealtert wie hier. Cameron zeigt zu Viel der Aliens und verschlimmbessert gleichzeitig Gigers Design. Im Kommentar der DVD gibt er selbst zu, sein Designer-Ego sei zu groß gewesen, um Giger für den zweiten Teil zu engagieren und das sieht man eben auch. Ich hätte lieber ein Giger Queen Design gesehen. Für mich ist auch die kürzere Version des Films die bessere.

Alien 3

Der Bastard der Serie und abgesehen vom ersten Teil, der am besten gealterte. Dies war der erste Teil, den ich im Kino gesehen habe. Trotz seiner riesigen Probleme beweist sich der Film mittlerweile erstaunlich gut. Alien 3 bietet die vielleicht beste Optik der Serie. Der Film sieht noch heute aus, als wäre er frisch abgedreht. Sie haben einen visuellen Stil geschaffen, der so neutral ist, dass er in jede Zeit passt, auch wenn sich die so tief sitzende Kamera schnell verbaucht. Wenn Fincher eines geschafft hat, dann ein Alien zu verfilmen, dass noch immer sehenswert ist. Alien 3 hat so viele Probleme, dass man kaum alle nennen kann.

Die Vorlage von Cameron war zu weit weg vom Ursprung den Alien 3 versucht wieder aufzunehmen. In den ersten Minuten tötet man zwei Figuren, die beim Zuschauer sehr beliebt sind. Man ändert komplett den Stil (Suspense statt Action) und vergisst dabei sympathische Figuren zu schaffen. Für mich rangiert Alien 3 heute trotzdem vor dem zweiten Teil, weil er der Formel dieser Lizens näher kommt und weil Camerons Beitrag aus heutiger Sicht zu generisch wirkt. Das Erbe von Aliens hat Alien 3 vergiftet, eigentlich hätten beide Teile im Kanon der Serie ausgetauscht werden müssen. Teil 3 wäre ein toller Teil 2.

Alien Ressurection

Ressurection nimmt bei mir den hintersten Platz der Serie ein. Teil 4 Film symbolisiert perfekt den Übergang vom Genrefilm mit Herz, zum austauschbaren Popkino. Wieder greift man auf einen europäischen Macher zurück und gibt das Drehbuch in die Hand eines Fernseh-Autoren (Joss Whedon). Das Ergebnis ist ein völlig charakterloser Sci-Fi Film guten Handwerks, welchen wenig mit dem Ursprung der Serie verbindet. Die Idee des Klons ist aufgesetzt und wie schon im zweiten Teil, sind die Ergänzungen zum Kanon der Kreaturen, ohne Gigers Mitwirkung fehl am Platz. Dieser Mensch-Alien-Hybrid ist lächerlich und Videospielniveau.

Ressurection ist ein sehenswerter Sci-Fi und ein mieser Alien Film. Was den Film rettet sind seine Darsteller und sein City of Lost Children-Flair, eine Winona Ryder mit bester Bambi-Mimik und eine Sigourney Weaver, die nach einem neuen Anstrich für ihren Charakter sucht. Schaut man sich an, was Jeunet nach Ressurection so gemacht hat, dann muss der Film auch bei ihm eine negative Spuren hinterlassen haben.

Lt. Ellen Ripley

Die Figur der Ellen Ripley ist einzigartig und diese Serie ist ihre Geschichte. Ohne diesen Charakter und ohne Sigourney Weaver, ist Alien am Ende. Mir fällt keine andere Figur ein, die so lang so gut funktioniert, wie Sigourney Weaver’s Ellen Ripley. Weaver gibt der Figur auch die richtige Optik. Der perfekte Mittelweg zwischen Plastik und Rambo, die sich selbst gegen die männlichsten Protagonisten behaupten kann. Weaver’s Physik passt einfach zu dieser Figur.

Solche Figuren sind aus der Mode gekommen. Starke weibliche Helden mutieren heute nur noch zu flachen Abbildern ihrer männlichen Nebendarsteller. Lange bevor Videospiele mit Tomb Raider einen neuen plastischen und überzeichneten Prototypen des weiblichen Helden schafften, war Ellen Ripley weiter, als man selbst heute ist. Hier haben wir eine starke Frau, die völlig allein auf sich gestellt funktioniert. Es ist kein Zufall, dass Cameron so interessiert war. Dieser Typ Frau ist seine Domäne.

Auch wenn mich die Nachricht eines fünften Teils dann doch irgendwo erfreut, eigentlich ist diese Serie mit Teil 3 abgeschlossen. Zwar lautet der Titel Alien, aber die Serie braucht Ellen Ripley. Einen Teil könnte man sicherlich noch mit Weaver funktionieren lassen. Es wird aber nicht funktionieren, die Serie um eine neue Figur herum zu basteln. Was dabei zu erwarten ist, kann man in den Predator-Crossovers sehen. Wenn überhaupt hätte man Ripley eine Tochter zur Seite stellen müssen, aber auch diese Chance ist nun vertan.

Ich finde auch, dass diese Serie schon illustriert, wie Charakter und Handlung im Laufe der Zeit Trickeffekten weichen musste. Heutige Autoren wissen um die Möglichkeiten von CGI und legen bewusst oder unbewusst den Fokus auf den schnellen Trick. Selbst aktuelle tolle Vertreter des Genres ( Distric 9) schaffen es kaum noch Figuren zu schaffen, die allein eine Lizens so tragen können wie Weaver’s Ripley. Kombiniert mit der Tatsache, dass man heute Serien und Schauspielern einfach nicht mehr die Zeit lässt sich zu entwickeln, dürfte Alien auch die nächsten 30 Jahre Genregeschichte schreiben. Und wer weiß, vielleicht schafft ein fünfter Teil das Unmögliche und ergänzt die Serie wirklich sinnvoll. Die Hoffnung stirbt bekanntlich zuletzt.

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Zeitlos. Eine wertvollere Auszeichnung kann ein Werk eigentlich nicht erlangen. Léon ist mittlerweile ein fünfzehn Jahre alter Film und was für einer. Wie so viele meiner Lieblingsfilme, darf man auch hier von einem unglücklichen Unfall sprechen. Dieser Film markiert klar den Höhepunkt des europäischen Actionkinos der 90er. Was den Film noch heute so frisch wirken lässt, ist der so durch und durch europäische Stil Lúc Besson’s. Das Drehbuch zum Film entstand an Anlehnung einer Randfigur im Film Nikita, den Besson zuvor mit Jean Reno abgedreht hatte. Reno spielt hier eine sehr ähnliche Figur, die so gut funktioniert, dass Besson ihr einen kompletten Film widmet.

„Tony, you’ve killed for us in the past, and we’ve always been satisfied, which is why it’s very hard for me to come down here today. One of my men was killed today in your territory, and the chinks tell me the killer was of the… Italian persuasion. Now, wait, there’s more. You’ll love this. Not two hours later, a little twelve-year-old girl comes to my building, armed to the teeth with the sole intention of sending me straight to the morgue. And guess who comes to get her? The very same Italian hit man.“

Es ist jene Rolle, die einen Schauspieler für den Rest seines Lebens verfolgen wird. Reno hat keine Chance als diesem Charakter zu erliegen. Für die wenigen Minuten des Films ist er der Einzelgänger Léon, dessen Routine aus den Fugen gerät, als er die junge Mathilda trifft. Die Geschichte ist nicht innovativ. Besonders das japanische Kino hat hier etliche Vorlagen geliefert, aber keine mit einem so durch und durch europäischen Blick inszeniert.

Léon lebt durch seinen Darsteller und eine Optik, die Stil aus jeder Bildzeile tropfen lässt. Besson schafft es einfach eine eigentlich schrecklich unrealistische Figur funktionieren zu lassen. Léon drückt bei mir alle Knöpfe. Jenen kleinen Details, die mir persönlich so wichtig für fiktionale Charakter sind, werden hier nicht nur erwähnt sondern zelebriert. Léon trinkt seine Milch und pflegt seine Pflanze. Mehr braucht es eigentlich nicht.

Die lange Fassung des Films legt den Fokus dann jedoch auf das fragwürdige Element des Films: der Beziehung zwischen einem alterndem Auftragskiller und einem zwölf jährigen Mädchen. Es gibt mehr als eine Szene, die einfach unangenehm wirkt und einen Unterton in den Film bringt, der erst im letzten Akt wieder verdrängt wird. Dieser letzte Akt ist es auch, der dann aus einem kleinen ruhigen Film, eine brachiale Lawine macht. Ich kenne keinen anderen Film, der seine Action so clever inszeniert. Es braucht keine einstürzenden Brücken, keine mit Benzin beladenen Trucks, keine endlosen Straßen, nur einen kleinen Flur und ein gekonnte Kameraführung.

Léon bekommt kein Happy End. Der Held spielt mit dem Feuer, verbrennt sich dabei die Finger und erlöst sich selbst. Der Schluss ist so konsequent wie die vielen Minuten zuvor. Eigentlich muss man dankbar sein, dass diese Figur stirbt. Der Gedanke an eine Fortsetzung ist einfach falsch. Zwar gab es viele Jahre lang den Wunsch Mathilda’s Geschichte weiter zu erzählen, aber so einen Film hat Besson schon vor Léon gemacht – Nikita. Es ist unmöglich mit einer älteren Mathilda ein so gut funktionierendes Duo aufzubauen, wie es hier schon gelingt. Hierbei sei auch zu erwähnen, dass die erste Fassung des Drehbuchs auch Mathilda sterben lässt, was dann aber doch einen Schritt zu weit geht.

Der Film ist wie so viele Klassiker nur die Summe seiner wenigen perfekten Zutaten. Besson hat hier seine zwei besten Figuren geschrieben und perfekt besetzt. Egal in welches Szenario man Reno’s Léon und Portman’s Mathilda steckt, es wäre immer sehenswert. Selten bekommt man so überzeugende Darstellungen ganz klassischer Charaktere. Léon ist im Kern so altbacken wie die griechische Sage, des tragischen Helden, die Besson hier wirklich selbst noch heute zeitlos gut inszeniert. Immer wieder erstaunlich, wie gut echte Qualität altert. Léon befindet sich hier ganz klar in der Kategorie Film, die man jährlich einmal ansehen kann.

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„… But along with these other results, it gives you just about the most twisted, anti-social bunch of psychopathic deformities I have ever run into! And the worst, the most dangerous of the bunch, is Maggott. You’ve got one religious maniac, one malignant dwarf, two near-idiots… and the rest I don’t even wanna think about! „

Seit heute also läuft der Inglourirous Basterds PR-Zug auf vollen Touren. Was die Kampagne dabei aber überzieht, ist die Tatsache, dass der Film nicht ist, was die Werbung verspricht. Basterds sollte Tarantinos Opus sein. Ein Film, der seit praktisch weit mehr als zehn Jahren in Entwicklung ist und Anfangs als simples Konzept vorgestellt wurde: Das dreckige Dutzend mit Action-Legenden der 80er. Was also liegt näher jene Vorlage zu bejubeln, die Basterds eigentlich mal hätte werden sollen.

Das dreckige Dutzend hält was es verspricht. Die Handlung könnte nicht einfacher sein. Ein Major der Alliierten bekommt 1944 einen geheimen Auftrag zugewiesen. Er soll ein Schloss voll mit hochrangigen Nazis infiltrieren und so viele wie möglich töten. Als Handlanger soll er dafür zwölf Schwerstkrimminelle und zum Tode Verurteilte ausbilden. Wer dem Plan zustimmt entkommt dem Todesurteil. Das war’s. Komplexer ist der Film nicht.

Wieso Das dreckige Dutzend noch heute grandios ist, liegt einzig und allein an den Darstellern, die den Film selbst bei langsamen Abschnitten nie langweilig werden lassen: Lee Marvin, Ernest Borgnine, Charles Bronson, Jim Brown, John Cassavetes, George Kennedy, Telly Savalas, Donald Sutherland. Schon einer allein kann hiervon einen Film tragen. Zusammen ergibt es eine Kombination, die man bis heute nicht übertreffen kann.

Die Dynamik der Figuren ist zar vorhersehbar, aber trotzdem unterhaltsman. Fast jeder bekommt seinen Moment des Glanzes. Anfangs traut keiner dem anderen, es bilden sich Grüppchen, Konflikte werden kreiert und gelöst. Beim Finale blitzen viele unterdrückte Persönlichkeiten wieder auf. Es ist schwer einen Favoriten zu finden. John Cassavetes Franko bebt aber von der ersten bis zur letzten Sekunde. Highlight des Films für mich, sind die kurze Szenen, als die Einheit das Schloss infiltriert. So schnell sieht man einen deutsch sprechenden, Nazi-Uniform tragenden Charles Bronson nicht mehr. Immer wieder fesselnd.

Die Gewalt im Film, war einmal legendär. Verglichen mit heutigen Standards ist der Film dann doch eher zahnlos geworden. Gibt’s was zu kritisieren? Die Zielgruppe für diesen Film dürfte mikroskopisch sein. Es gibt nicht eine Frauenrolle im Film. Dies ist kein Film für Zuschauer des weiblichen Geschlechts. Man sieht meist nur alte, dreckige, fluchende Kerle, die sich gegenseitig Schmerzen zufügen. Wer also von Tarantino’s Basterds einen Actionreißer erwartet, der ist beim dreckigen Dutzend besser aufgehoben. Mehr Klassiker geht nicht.

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