Die Situation kennen vielleicht noch einige Leser. Man ist im Auto unterwegs. Eine lange Fahrt und irgendwann möchte man die lokale Radiolandschaft probieren. Dann findet man sie noch, diese markanten Radiostimmen und ihre Jingles: “Das Beste aus den 60ern, 70ern und 80ern. Den gesamten Tag, nur bei uns: Radio Drei.” Oder so ähnlich. Von diesen Exemplaren existieren noch immer genug und sie spielen auch seit den 60ern, 70ern und 80ern die gleichen Songs. Und einige davon sind sicher vom heutigen Album: Crosby, Stills & Nash. Diese Musik kennt man meistens. Sie ist harmlos, drogengetrieben und lässt seine Fans und Hörer dieser Radiosender meist schnell in Erinnerungen und Nostalgie schwelgen.

Wikipedia betitelt das Genre als Folk-Rock. Für mich klingt es meist nach einer Sedierung, die ein schnelles Spielen verhindert, und so sind es meist langsamere Lieder mit möglichst breitem Zugang, was nicht immer schlecht sein muss, wie auch in diesem Fall. Barbershop trifft auf Country. Für meine Ohren klingt das so seicht, dass es akustisch schon vor fehlender Anspannung taumelt. Sowas muss es auch geben, wie man manchmal sagt. Wirklich harmlos, ohne negativ zu urteilen. Autofahrmusik für eine bestimmte Generation, oder auch zwei oder drei.

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Beim Jesus-Lied bin ich ausgestiegen. Erinnert an Pixies und Radiohead mit noch mehr Esoterik und insgesamt bis zum Jesus-Lied nur fast Downer. Das Ganze hat mich daran erinnern lassen, wie wir früher nach der Schule in die Musikabteilung vom Karstadt gegangen sind. Da gab es solch eine Theke zum Probehören. So in der Art fand mein Konsum dieses Albums statt. Absolut nicht mein Geschmack, aktuell jedenfalls nicht,

Aber das Cover ist nett.

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Mein Jazz-Wissen war lange Zeit nur von ein paar Simpsons-Episoden getrieben. Fahrstuhlmusik als herablassendes Urteil. Leider wahr, aber das ist nun viele Jahre her und ich gebe noch nicht auf. Hier nun also Home Is Where The Music Is von Hugh Masekela, ein Name, der mir bis dahin überhaupt kein Begriff war und es jetzt nur kleines bisschen ist.

Hier haben wir so ziemlich die erste Jazz-Platte der 1001-Alben-Liste, die mir durchaus gefallen hat. Vielleicht, weil es meiner Simpsons-Definition des Genres so nahekommt oder weil es zwar auch experimentelle Solo-Parts besitzt, aber eben auch seichte Anteile, für meine Jass-sensiblen Ohren. Mir gefallen auch die Tempowechsel zwischen einzelnen Songs des Albums. Vielleicht klingt es zu sehr nach Prototyp-Jaz aus Sicht eines Nichtkenners, aber gut bleibt gut.

Ich traue mich kaum, aber Daumen hoch für Home Is Where The Music Is.

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Ok. Ich habe es wieder probiert, aber nach zwei “Liedern” musste ich kapitulieren. Ich werd kein passionierter Jazz-Fan. Vielleicht muss man sich hier auch vorher in die richtige Stimmung bringen. Meine Bitches Brew Sitzung fand am Freitagnachmittag während einer Zugfahrt nach Hause statt.

Immerhin hab ich dem Album eine Chance gegeben und eigentlich ging es auch ganz gut los. An Punkten jedoch mutiert die Akustik, als würde gerade jemand zum ersten Mal das Instrument in der Hand halten. Vielleicht ist genau das, was passionierte Fans so mögen, vielleicht ist genau das die Kunst, aber ich finde hier keinen Zugang.

Das Cover wirkt toll und die Musik war bemerkenswert raumfüllend gemischt und hat nicht diese monotone Balance moderner Produktionen.

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Ein Freund schickt mir letzte Woche die Nachricht: Nach über 30 Jahren Rechtsstreit verlieren Kraftwerk die Klage wegen eines Samples gegen Moses Pelham. Ein paar Gedanken dazu. Hier streiten natürlich primär Ego gegen Ego. Kraftwerk haben sehr wohl Sampling genehmigt, wenn sie nur nett gefragt wurden, respektive die Fragenden keine kleinen nationalen, sondern überbewertete internationale Verkaufsschlager sind. Aber Gerichte und Gesetze sind auch da, um solche Fragen zu klären, und das haben sie nun … teilweise, denn es ist leider absurd, solche Dinge auch nur auf EU-Linie zu regeln. Die mediale Welt hat heute keine Grenzen mehr. Respekt an Pelham, dass er das durchgehalten hat, und meine Vermutung ist, dieses Urteil wird sein Lebenswerk sein, wird seinen Namen in Artikeln und Büchern zementieren.

Gleichwohl bin ich kein Fan dieses Urteils. So absurd es klingt: Wenn man 2 Sekunden nicht schützt, dann sind die Grenzen für absoluten kreativen Diebstahl offen. Bin gespannt, ob und was sich nun ändert. Am Ende ist selbst unser EU-Markt jedoch relativ unbedeutend. Die Regeln zum Schutz solcher Samples sind über den großen Teich halt restriktiver, so sehr, dass selbst nur ein ähnlicher Vibe bestraft wird. Samples sind seit Streaming als primärem Vertriebskanal und somit radikal reduzierten Umsätzen so teuer geworden, dass sich nur noch wenige Künstler und Produzenten das leisten können. Ein Umweg hier ist das Nachspielen statt eines direkten Samples. Immer noch teuer, aber realistisch.. Sobald ein EU-Künstler auch nur hier grünes Licht hat, wird bei ausreichend großem Erfolg das internationale Recht immer seinen Weg finden. DJ Bobo kann da sicher eine tolle Geschichte erzählen.

Sampling sollte möglich und für alle Beteiligten kein Verlust sein, kommerziell und kreativ. Ob dieses neue Urteil dafür sorgt, bleibt abzuwarten.

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Blur waren für mich in den 90ern immer die nüchterne Variante von Oasis und Britpop-Zugpferd. Kommerziell erfolgreiche Popmusik, mit einem gewissen Anspruch. Zwar immer noch weichgespült, aber in einer angenehmen Art und Weise. Dieses gleichnamige Album ist das fünfte und ein Versuch, etwas erwachsenere Musik zu kreieren. Das gelingt ihnen erstaunlich gut und wurde auch kommerziell belohnt. Ich erinnere mich an das Video zu Song 2 damals. Bis dahin war diese Band wenig nach meinem Geschmack, aber Song 2 hatte Nirvana-Vibes und versuchte, das auch nicht zu verstecken, ganz im Gegenteil. Everything is a remix.

Es wäre aber falsch, Blur auch dieses eine Lied zu reduzieren, auch wenn es so dermaßen erfolgreich war. Blur ist aber mehr als Song 2. Besonders in der zweiten Hälfte findet sich erstaunlich viel Variation. Strange News from Another Star klingt wie eine David-Bowie-Referenz und das anschließende Movin‘ On dagegen ist schon wieder Post-Punk. Dieser Kontrast macht das Album aus und Blur wirkt wie eine Collage aller Einflüsse, respektive einfach nur alles, was die Band zu dieser Zeit musikalisch toll fand.

Gefällt mir. Ich gebe den Daumen nach oben.

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Beim Spazierengehen eben kam mir die Idee einer längst überfälligen Serie im Weblog. Ich werde alle James-Bond-Titelsongs und ihre jeweiligen Filme listen und in meiner Reihenfolge ordnen. Ein Song pro Woche ist der Plan. Die Listen stehen, aber ich war unsicher, womit ich anfangen soll. Wieso nicht einfach gleich mit etwas Ambivalentem: You Know My Name von Chris Cornell und der Titelsong zu Casino Royale aus dem Jahr 2006.

Nach den Brosnan-Bonds war ich als Fan doch enttäuscht und hatte geringe Erwartungen an Neues. Das Gesamtpaket Casino Royale ist in der Tat ein mutiger Wechsel gewesen und der wurde ganz klar auch beim Titelsong angewandt. Wie der Film selbst, brauchte das Lied bei mir eine Weile, um seine Qualität zu offenbaren. Auch wenn das Lied aus dem üblichen Genre-Rahmen fällt, so sind alle essentiellen Zutaten vorhanden: Streicher und Bläser im markanten Motiv. You Know My Name ist dieser Spagat zwischen neu und alt und soviel kann ich verraten, ordnet sich damit im oberen Drittel meiner James Bondparade ein. Ähnlich eigentlich wie der Film selbst auch.

Bondsongs:

1. Chris Cornell – You Know My Name

Bondfilme:

1. Casino Royale

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Das Gute? Hier haben wir offenbar zu einem großen Teil ein Producer-Rapper-Album. Das ist selten und noch seltener ist das auch ein gelungenes Ergebnis. Ich kann das nicht objektiv beurteilen, weil diese Art des Hip-Hop einfach nicht mehr meinen Geschmack trifft. Konnichiwa ist 2016 veröffentlicht und das vierte Album des Künstlers. Diese Form des britischen Raps finde ich eigentlich spannend, auch weil hier unter dem Sub-Genre Grime Einflüsse elektronischer Musik teilweise dominieren.

Allerdings ist dieser Trend ein globales Phänomen dieser Musik. Miami Bass hat dies meiner Meinung nach schon in den späten 80ern initiiert, aber spätestens seit Trap ist das nicht mehr die Form der Musik, in die ich mich so verliebt habe. Seitdem sind teure, melodischere Samples vollsynthetischen Loops gewichen, die heute meistens am Fließband von einer Armee globaler “Produzenten” kreiert und verkauft werden. Immerhin scheint Skepta seine Beats primär selbst zu programmieren. Das gibt Bonuspunkte.

In kleiner Dosierung kann ich hier durchaus Tolles empfinden, aber spätestens nach 4 oder 5 Liedern hintereinander fehlt mir Melodik. Diese Produktionen sind so dermaßen zersetzt von Hi-Hat-Geballer und vielen Bass-Leveln, dass es für mich anstrengend zu hören ist. Diese Form ist halt sehr minimalistisch und dann auch wieder ausufernd, wenn es um wenige Zutaten geht. Einfach formuliert klingen viele der Lieder versalzen für meinen Geschmack. Bonuspunkte für was ich vermute, ein International Karate Sample ist, im Song That’s not me.

Fazit: Bin froh, mir das mal angehört zu haben, aber jetzt brauche ich mal ne Pause davon. Gebe noch den Daumen hoch.

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Post-Punk konstruiert für einen durchaus breiten Massengeschmack. Bevor ich auch nur einen Song angehört hatte, dachte ich mir schon: Das Beste an diesem Album wird das Cover sein. Und nach dem Anhören kann ich den Satz auch so stehen lassen, denn Is this It ist ganz klar außerhalb meiner musikalischen Komfortzone. Immerhin klingt es markant für eine 2001-Veröffentlichung.

Gleichwohl muss ich zugeben, dass ich diesen Sound, diese Ästhetik nicht so sehr mag. Der Gesang auf allen Songs klingt stark gefiltert und ist auch ganz punk-like mit den anderen Spuren gemischt. Einfach formuliert: Es war für mich recht schwierig, die Texte zu verstehen, und auch wenn Text jetzt wohl nicht die Basis dieses Genres zu sein scheint, so fand ich das eher anstrengend zu hören.

Aber hey, dieses Cover reißt fast alles raus. Smart konstruiertes Debütwerk. Kann man sich einmal anhören und dabei am Cover sattsehen.

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Als ich die Tage durch den Park spazierte, wurde der heutige Song des Tages aus einer Playlist gefischt. Sofort hatte ich Bilder vor Augen, weil dieses Video so markant ist und seine Spuren bei mir hinterlassen hat, und ich klopfte mit meinen Fingern im Takt der Snaredrum mit.

Surrender ist ein tolles Album, aber Let Forever Be ist ein noch großartigerer Song, dem ich natürlich auch schnell durch sein Video und diese Darstellerin verfallen bin. Manchmal kommen halt ganz viele Zufälle zu einem perfekten Ganzen zusammen und das ist dieses heutige Musikvideo.

Big Beat war und ist wie für mich gemacht und sicherlich auch der Soundtrack vieler Abende meiner Zeit als Halbstarker. Die chemischen Brüder waren schnell ein Favorit, auch wenn ich bis heute nicht alle ihre Alben und Songs mag. Je elektronischer es wurde, umso geringer schlug mein Fanherz. Dagegen holen mich fast schon Popsongs wie Let Forever Be bis heute sofort ab. Das Lied ist gut genug, um ohne eine Erwähnung seines Sängers auszukommen, und Oasis waren damals noch ein Garant für Verkäufe.

Wir waren schon sehr verwöhnt, was Musikvideos betrifft, auch wenn 1999 klar einen Zenit markiert. Kurz danach verlor Musik an Bedeutung und so Videos auch an Budget und Gewicht. Let Forever Be ist so ein spätes Aufbäumen, bevor Klingeltonwerbung das Musikfernsehen dominierte. Musikvideos haben einige tolle Talente hervorgebracht. Auch hier: Michel Gondry hat später sehenswerte Filme gemacht.

Let Forever Be ist einfach ein tolles Gute-Laune-Lied und ein noch besseres Gute-Laune-Video.

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